Mitul artiștilor Renașterii

2024 Autor: Seth Attwood | [email protected]. Modificat ultima dată: 2023-12-16 16:15

Conform versiunii oficiale, la începutul secolelor XIV-XV, a avut loc o schimbare bruscă în pictură - Renașterea. În jurul anilor 1420, toată lumea a devenit brusc mult mai bună la desen. De ce imaginile au devenit dintr-o dată atât de realiste și detaliate, iar în tablouri era lumină și volum?

Nimeni nu s-a gândit multă vreme la asta. Până când David Hockney a luat o lupă.

Odată se uita la desene ale lui Jean Auguste Dominique Ingres, liderul școlii academice franceze din secolul al XIX-lea. Hockney a devenit interesat să-și vadă micile desene la scară mai mare și le-a mărit pe un fotocopiator. Așa a dat peste o latură secretă a istoriei picturii încă din perioada Renașterii.

După ce a făcut fotocopii ale desenelor mici ale lui Ingres (aproximativ 30 de centimetri), Hockney a fost uimit de cât de realiste erau. Și mai credea că replicile lui Ingres îi aminteau de ceva. S-a dovedit că îi amintesc de opera lui Warhol. Și Warhol a făcut asta - a proiectat o fotografie pe o pânză și a conturat-o.

Cazuri interesante, spune Hockney. Se pare că Ingres a folosit Camera Lucida - un dispozitiv care este o structură cu o prismă care este atașată, de exemplu, pe un suport de o tabletă. Astfel, artistul, privind desenul său cu un ochi, vede imaginea reală, iar cu celălalt - desenul în sine și mâna lui. Se dovedește o iluzie optică care vă permite să transferați cu precizie proporțiile din viața reală pe hârtie. Și tocmai aceasta este „garanția” realismului imaginii.

Apoi Hockney a devenit serios interesat de acest tip de desene și picturi „optice”. În studioul său, el și echipa sa au agățat pe pereți sute de reproduceri ale picturilor create de-a lungul secolelor. Lucrări care păreau „reale” și cele care nu. Aranjați după momentul creației și pe regiuni - nord în partea de sus, sud în jos, Hockney și echipa sa au văzut o schimbare bruscă în pictură la începutul secolelor 14-15. În general, toți cei care știu măcar puțin despre istoria artei știe - Renașterea.

Poate au folosit aceeași cameră lucidă? A fost brevetat în 1807 de William Hyde Wollaston. Deși, de fapt, un astfel de dispozitiv este descris de Johannes Kepler încă din 1611 în lucrarea sa Dioptrice. Apoi, poate au folosit un alt dispozitiv optic - o camera obscura? La urma urmei, este cunoscută încă de pe vremea lui Aristotel și este o cameră întunecată în care pătrunde lumina printr-o mică gaură și astfel într-o cameră întunecată se obține o proiecție a ceea ce este în fața găurii, dar inversată. Totul ar fi bine, dar imaginea care se obține atunci când este proiectată de o cameră pinhole fără obiectiv, ca să spunem ușor, nu este de înaltă calitate, nu este clară, necesită multă lumină puternică, ca să nu mai vorbim de dimensiune. a proiecției. Dar lentilele de calitate erau aproape imposibil de realizat până în secolul al XVI-lea, deoarece nu exista nicio modalitate de a obține o sticlă de o asemenea calitate la acea vreme. Lucruri de făcut, se gândi Hockney, în acel moment deja se lupta cu problema cu fizicianul Charles Falco.

Cu toate acestea, există un tablou de Jan Van Eyck, un pictor din Bruges și pictor flamand al Renașterii timpurii, în care se ascunde un indiciu. Pictura se numește „Portretul cuplului Arnolfini”.

Tabloul strălucește pur și simplu cu o cantitate imensă de detalii, ceea ce este destul de interesant, deoarece a fost pictat abia în 1434. Iar oglinda servește drept indiciu al modului în care autorul a reușit să facă un pas atât de mare înainte în realismul imaginii. Și, de asemenea, sfeșnicul este incredibil de complicat și realist.

Hockney izbucnea de curiozitate. A pus mâna pe o copie a unui astfel de candelabru și a încercat să o deseneze. Artistul s-a confruntat cu faptul că un lucru atât de complex este greu de desenat în perspectivă. Un alt punct important a fost materialitatea imaginii acestui obiect metalic. Când înfățișați un obiect din oțel, este foarte important să poziționați elementele evidențiate cât mai realist posibil, deoarece acest lucru oferă o cantitate uriașă de realism. Dar problema cu aceste lumini este că se mișcă atunci când privirea privitorului sau a artistului se mișcă, ceea ce înseamnă că nu este deloc ușor să le captezi. Și imaginea realistă a metalului și strălucirii este, de asemenea, o trăsătură distinctivă a picturilor renascentiste, înainte de asta artiștii nici măcar nu încercau să facă acest lucru.

Recreând un model tridimensional precis al candelabrului, echipa Hockney s-a asigurat că candelabru din Portretul cuplului Arnolfini a fost desenat cu precizie în perspectivă, cu un singur punct de fuga. Dar problema a fost că instrumente optice atât de precise precum o cameră obscura cu lentilă nu au existat timp de aproximativ un secol de la crearea picturii.

Fragmentul mărit arată că oglinda din tabloul „Portretul cuplului Arnolfini” este convexă. Deci erau oglinzi dimpotrivă - concave. Mai mult, în acele vremuri, astfel de oglinzi erau făcute în acest fel - a fost luată o sferă de sticlă, iar fundul ei a fost acoperit cu argint, apoi totul, cu excepția fundului, a fost tăiat. Partea din spate a oglinzii nu era întunecată. Aceasta înseamnă că oglinda concavă a lui Jan Van Eyck ar putea fi aceeași oglindă care este prezentată în imagine, doar din partea din spate. Și orice fizician știe ce o oglindă, atunci când este reflectată, proiectează o imagine a celei reflectate. Aici, prietenul său, fizicianul Charles Falco l-a ajutat pe David Hockney cu calcule și cercetări.

Porțiunea clară și focalizată a proiecției este de aproximativ 30 de centimetri pătrați, care este exact dimensiunea capetelor din multe portrete renascentiste.

Aceasta este dimensiunea, de exemplu, a portretului „Doge Leonardo Loredana” de Giovanni Bellini (1501), un portret al unui bărbat de Robert Campen (1430), propriul portret al lui Jan Van Eyck „un bărbat în turban roșu” și multe altele. portrete olandeze timpurii.

Pictura era o muncă foarte bine plătită și, desigur, toate secretele de afaceri erau păstrate în cea mai strictă confidențialitate. Pentru artist a fost benefic ca toți oamenii neinițiați să creadă că secretele sunt în mâinile maestrului și nu pot fi furate. Afacerea era închisă celor din afară - artiștii erau în breaslă, iar în ea erau cei mai diverși meșteri - de la cei care făceau șei până la cei care făceau oglinzi. Și în Breasla Sfântul Luca, fondată la Anvers și menționată pentru prima dată în 1382 (atunci s-au deschis bresle similare în multe orașe din nord, iar una dintre cele mai mari a fost breasla din Bruges - orașul în care locuia Van Eyck) avea și maeștri, făcând oglinzi.

Așa că Hockney a recreat cum poți desena un candelabru complex dintr-un tablou de Van Eyck. Nu este deloc surprinzător faptul că dimensiunea lustrei proiectată de Hockney se potrivește exact cu dimensiunea lustrei din tabloul „Portretul cuplului Arnolfini”. Și, desigur, strălucire pe metal - pe proiecție, acestea stau nemișcate și nu se schimbă atunci când artistul își schimbă poziția.

Dar problema încă nu este complet rezolvată, deoarece înainte de apariția opticii de înaltă calitate, care este necesară pentru a utiliza o cameră pinhole, au mai rămas 100 de ani, iar dimensiunea proiecției obținute cu ajutorul unei oglinzi este foarte mică.. Cum să pictezi imagini mai mari de 30 de centimetri pătrați? Au fost create ca un colaj - dintr-o varietate de puncte de vedere, a rezultat un fel de viziune sferică cu multe puncte de fuga. Hockney și-a dat seama de asta, pentru că el însuși era implicat în astfel de imagini - a făcut multe colaje foto în care se obține exact același efect.

Aproape un secol mai târziu, în anii 1500, a devenit în sfârșit posibilă obținerea și prelucrarea bine a sticlei - au apărut lentilele mari. Și în cele din urmă ar putea fi introduse în camera obscura, al cărei principiu este cunoscut încă din cele mai vechi timpuri. Lens camera obscura a reprezentat o revoluție incredibilă în artele vizuale, deoarece proiecția putea fi acum de orice dimensiune. Și încă ceva, acum imaginea nu era „unghi larg”, ci aproximativ aspectul normal – adică aproximativ la fel ca și astăzi când fotografiați cu un obiectiv cu o distanță focală de 35-50mm.

Cu toate acestea, problema cu utilizarea unei camere pinhole cu un obiectiv este că proiecția înainte de la obiectiv este oglindă. Acest lucru a dus la un număr mare de stângaci în pictură în primele etape ale utilizării opticii. La fel ca în acest tablou din anii 1600 de la muzeul Frans Hals, în care o pereche de stângaci dansează, un bătrân stângaci îi amenință cu un deget, iar o maimuță stângacă se uită sub rochia femeii.

Problema se rezolva prin instalarea unei oglinzi in care este indreptata lentila, obtinandu-se astfel proiectia corecta. Dar se pare că o oglindă bună, plată și mare a costat mulți bani, așa că nu toată lumea o avea.

Concentrarea a fost o altă problemă. Faptul este că unele părți ale imaginii la o poziție a pânzei sub razele de proiecție au fost nefocalizate, nu clare. În lucrarea lui Jan Vermeer, unde utilizarea opticii este clar vizibilă, munca lui arată în general ca fotografii, puteți observa și locuri nefocalizate. Puteți vedea chiar și desenul pe care îl oferă obiectivul - notoriul „bokeh”. Ca de exemplu aici, în tabloul „Lăptașa” (1658), coșul, pâinea din el și vaza albastră sunt nefocalizate. Dar ochiul uman nu poate vedea „în afara focalizării”.

Și în lumina tuturor acestor lucruri, nu este deloc surprinzător că un bun prieten al lui Jan Vermeer a fost Anthony Phillips van Leeuwenhoek, om de știință și microbiolog, precum și un maestru unic care și-a creat propriile microscoape și lentile. Omul de știință a devenit managerul postum al artistului. Și acest lucru ne permite să presupunem că Vermeer și-a înfățișat exact prietenul pe două pânze - „Geograf” și „Astronomer”.

Pentru a vedea orice parte în focalizare, trebuie să schimbați poziția pânzei sub razele de proiecție. Dar în acest caz au apărut erori de proporții. După cum puteți vedea aici: umărul uriaș al „Anthea” Parmigianino (aproximativ 1537), capul mic al „Lady Genovese” Anthony Van Dyck (1626), picioarele uriașe ale țăranului din tabloul de Georges de La Tour.

Desigur, toți artiștii au folosit lentile în mod diferit. Cineva pentru schițe, cineva format din diferite părți - la urma urmei, acum era posibil să faci un portret și să termine restul cu alt model sau cu un manechin în general.

Velazquez nu are aproape nici un desen. Cu toate acestea, capodopera sa a rămas - un portret al Papei Inocențiu al X-lea (1650). Pe halatele tăticului – evident mătase – este un frumos joc de lumină. Blikov. Și pentru a scrie toate acestea dintr-un punct de vedere, a trebuit să încerci foarte mult. Dar dacă faci o proiecție, atunci toată această frumusețe nu va fugi - strălucirea nu se mai mișcă, poți scrie exact cu acele lovituri largi și rapide ca ale lui Velazquez.

Ulterior, mulți artiști și-au putut permite o cameră obscura, iar aceasta a încetat să mai fie un mare secret. Canaletto a folosit în mod activ camera pentru a-și crea vederile despre Veneția și nu a ascuns-o. Aceste imagini, datorită acurateții lor, fac posibil să vorbim despre Canaletto ca un realizator de documentar. Datorită Canaletto, puteți vedea nu numai o imagine frumoasă, ci și istoria în sine. Puteți vedea care a fost primul pod Westminster din Londra în 1746.

Artistul britanic Sir Joshua Reynolds deținea o cameră obscura și se pare că nu a spus nimănui despre asta, deoarece camera lui se pliază și arată ca o carte. Astăzi este găzduit în Muzeul de Știință din Londra.

În cele din urmă, la începutul secolului al XIX-lea, William Henry Fox Talbot, folosind o cameră-lucide - cea în care trebuie să privești cu un ochi și să desenezi cu mâinile, a înjurat, hotărând că un astfel de inconvenient trebuie eliminat cu o dată pentru totdeauna, și a devenit unul dintre inventatorii fotografiei chimice și mai târziu un popularizator care a făcut-o masivă.

Odată cu inventarea fotografiei, monopolul picturii asupra realismului imaginii a dispărut, acum fotografia a devenit monopol. Și aici, în sfârșit, pictura s-a eliberat de lentile, continuând drumul din care s-a întors în anii 1400, iar Van Gogh a devenit precursorul întregii arte a secolului XX.

Invenția fotografiei este cel mai bun lucru care i s-a întâmplat picturii în întreaga sa istorie. Nu a mai fost necesar să se creeze imagini exclusiv reale, artistul a devenit liber. Desigur, i-a luat publicului un secol să ajungă din urmă cu artiștii în ceea ce privește înțelegerea muzicii vizuale și să nu mai considere oameni precum Van Gogh „nebuni”. În același timp, artiștii au început să folosească în mod activ fotografiile ca „material de referință”. Apoi au apărut oameni precum Wassily Kandinsky, avangarda rusă, Mark Rothko, Jackson Pollock. În urma picturii, arhitectura, sculptura și muzica au fost eliberate. Adevărat, școala academică rusă de pictură este blocată în timp, iar astăzi este încă păcat în academii și școli să folosească fotografia pentru a ajuta, iar cea mai mare ispravă este considerată o capacitate pur tehnică de a desena cât mai realist posibil cu mâinile goale.

Datorită unui articol al jurnalistului Lawrence Weschler, care a fost prezent la cercetările lui David Hockney și Falco, se dezvăluie un alt fapt interesant: portretul cuplului Arnolfini de Van Eyck este portretul unui negustor italian din Bruges. Domnul Arnolfini este florentin și, mai mult, este un reprezentant al băncii Medici (practic proprietarii Florenței în perioada Renașterii, sunt considerați patroni ai artei de atunci în Italia). Și asta ce spune? Faptul că ar putea să ia cu ușurință secretul breslei Sfântul Luca - oglinda - cu el, la Florența, unde, conform istoriei tradiționale, a început Renașterea, iar artiștii din Bruges (și, în consecință, alți maeștri) sunt considerați „primitiviști”.

Există multe controverse în jurul teoriei Hockney-Falco. Dar cu siguranță există un sâmbure de adevăr în ea. În ceea ce privește istoricii de artă, criticii și istoricii, este chiar greu de imaginat câte lucrări științifice despre istorie și artă s-au dovedit de fapt a fi o prostie completă, asta schimbând și întreaga istorie a artei, toate teoriile și textele lor.

Faptul de a folosi optica nu diminuează în niciun fel talentele artiștilor - la urma urmei, tehnica este un mijloc de a transmite ceea ce își dorește artistul. Și invers, faptul că există o realitate reală în aceste tablouri nu face decât să le adauge greutate - până la urmă, așa arătau oamenii de atunci, lucrurile, localurile, orașele. Acestea sunt documente reale.

Teoria Hockney-Falco este detaliată de autorul său, David Hockney, în documentarul „Secret Knowledge” al BBC David Hockney, care poate fi vizionat pe YouTube (partea 1 și partea 2). în limba engleză. lang.):